L'évolution artistique de la Renaissance

II) La Renaissance, un renouveau artistique

A) L'art se renouvelle !

La Renaissance marque une période de profonds changements dans le monde de l'art, influencée par l'humanisme et l'évolution des techniques et des mentalités.

1. Humanistes, les artistes font « renaître » l'Antiquité

Les artistes de la Renaissance s'inspirent de la pensée grecque et romaine en matière de proportions et de thématiques.

• La proportion des corps:

  • Des humanistes compilent le traité d'architecture de l'architecte romain Vitruve, dont les écrits étaient auparavant dispersés.

  • Vitruve expose les principes grecs, repris par les Romains, pour obtenir un corps aux proportions parfaites (par exemple, la hauteur de la tête correspond à 1/8e de la hauteur du corps). Il démontre également qu'un homme, pieds joints et bras écartés, s'inscrit dans un carré, et avec les jambes et les bras écartés, il s'inscrit dans un cercle. Le rapport entre le côté du carré et le rayon du cercle est le nombre d'or, considéré comme « divin » à la Renaissance.

  • Ce traité connaît un succès phénoménal. Léonard de Vinci applique ces principes dans son célèbre dessin de l'Homme de Vitruve, plaçant ainsi l'homme au centre de figures géométriques parfaites, symbolisant sa position centrale dans l'Univers.

• La proportion des monuments:

  • Vitruve souligne la symétrie et la proportionnalité dans l'architecture antique, inspirées du corps humain. Par exemple, le diamètre d'une colonne grecque ionique égale un peu plus d'1/8e de sa hauteur.

  • Les architectes de la Renaissance cherchent à retrouver ces proportions harmonieuses. La symétrie devient la règle, le plan carré est fréquent, et les différentes parties sont calculées proportionnellement. Il s'agit de construire de manière préméditée, loin de l'intuition du Moyen Âge ou de la quête de hauteur démesurée de l'art gothique.

• Imitation des thématiques, personnages et décors antiques:

  • Représentation de scènes de la mythologie ou de personnages de l'Antiquité.

  • Les personnages sont souvent représentés nus, avec des corps parfaits, à l'image des statues antiques redécouvertes lors des fouilles archéologiques. Le Torse du Belvédère, par exemple, fascine les artistes. Au Moyen Âge, la nudité était rare dans l'art.

  • Imitation des décors antiques: colonnes, frontons, chapiteaux et coupoles de la Grèce et de la Rome antiques sont en vogue dans l'architecture et les décors des peintures.

2. Humanistes, les artistes placent l'homme au centre de leurs œuvres

L'humanisme se traduit par une mise en avant de l'homme dans les œuvres d'art.

• L'art profane (non sacré) se développe:

  • L'art du paysage: Contrairement au Moyen Âge où l'essentiel des œuvres était religieux, certains peintres de la Renaissance développent l'art du paysage pour montrer la beauté de la Création et le cadre de vie de l'homme.

  • L'art du portrait: Si au Moyen Âge on représentait surtout le Christ ou les saints, la Renaissance voit les rois, nobles et bourgeois commander leurs portraits pour se mettre en scène. C'est le triomphe de l'individu.

  • Embellissement et modernisation des châteaux: Au Moyen Âge, les artistes embellissaient principalement les édifices religieux. À la Renaissance, les riches cherchent à montrer leur pouvoir et leur modernité en embellissant leurs demeures avec des loggias, des fenêtres richement ornées, et des escaliers complexes comme ceux à double révolution.

• Les peintres et sculpteurs cherchent le réalisme:

  • Les visages expriment des émotions telles que la joie ou la peur.

  • Les corps sont en mouvement et leurs proportions sont exactes. La torsion des corps nus et les drapés réalistes des vêtements mettent en valeur les corps et leurs mouvements.

  • Les vêtements représentés sont parfois ceux à la mode à la Renaissance, même si les personnages ont vécu à une autre époque, soulignant une connexion avec le présent.

3. Humanistes, les artistes utilisent les nouvelles techniques et connaissances au service de l'art

L'évolution des supports, matériaux et connaissances scientifiques révolutionne l'art.

• Les supports et matériaux évoluent:

  • Au Moyen Âge, le panneau de bois était le support privilégié. À la Renaissance, les toiles tendues sur des châssis (cadres en bois) s'imposent. La toile permet des tableaux gigantesques, est plus légère et moins sensible aux déformations dues à l'humidité.

  • Le peintre Jan Van Eyck perfectionne la peinture à l'huile (pigments + huile + résine). Son séchage lent permet de mélanger les couleurs plus finement et de retravailler les motifs en profondeur, contrairement à la peinture à la tempera (pigments + eau + œuf) du Moyen Âge qui séchait rapidement.

• Les connaissances en géométrie et en optique permettent de donner l'illusion de la 3D:

  • La perspective linéaire: Les lignes convergent vers un point de fuite. La taille des objets et des personnages diminue avec l'éloignement, contrairement au Moyen Âge où la taille était fonction de l'importance du personnage.

  • Le trompe-l'œil: Une technique visant à créer l'illusion que le spectateur se trouve dans un espace réel tridimensionnel et non face à une surface plane.

  • La perspective atmosphérique: Plus les objets sont éloignés, plus le décor devient imprécis, avec des couleurs froides (bleu, vert, violet) qui imitent l'effet de la brume et du lointain.

  • Le sfumato, inventé par Léonard de Vinci: Une superposition de fines couches de peinture translucides qui crée un dégradé subtil des couleurs et un effet de flou. Appliqué aux visages, il adoucit les contours et crée du volume. Pour les paysages, il estompe les éléments lointains, comme la perspective atmosphérique.

  • Le clair-obscur: Les peintres imitent la lumière naturelle en imaginant une source de lumière qui éclaire certaines parties du tableau et en laisse d'autres dans l'ombre. Cette technique met en valeur les personnages et crée du volume.

• Les connaissances anatomiques progressent:

  • Grâce aux écrits de Vitruve et aux fouilles archéologiques.

  • Certains artistes, comme Léonard de Vinci, pratiquent la dissection pour mieux comprendre et représenter le corps humain. Bien que cette pratique ait été considérée comme immorale au Moyen Âge et interdite par les Grecs et les Romains, elle se développe véritablement à la Renaissance, l'Église ne l'interdisant pas formellement.

4. Les artistes changent de statut

• Les artistes ne sont plus considérés comme de simples artisans membres d'une corporation (défendant les intérêts de la profession), mais comme des créateurs à part entière. Ils signent leurs œuvres et même se représentent.

• Ils sont recherchés par les puissants, qui deviennent leurs mécènes. Papes, princes, nobles et bourgeois financent des artistes à qui ils commandent des œuvres, reconnaissant ainsi leur valeur et leur génie.

Au Moyen Âge, les saints étaient représentés sur un fond réalisé à la feuille d'or, symbole d'un paradis sacré et impénétrable. Désormais, ils sont entourés d'un paysage réaliste et familier (comme la campagne italienne), les rendant plus humains et accessibles, des modèles imitables.

Les auréoles des saints disparaissent ou s'affinent, les montrant comme des hommes sur terre et non comme des êtres éloignés dans l'au-delà.